La nueva cara del MET

El Metropolitan Museum quiere formar parte del arte moderno y contemporáneo y, para ello, ha redefinido su marca buscando un aire más actual. Primero, rebautizando cada uno de sus edificios (al edificio de la Quinta Avenida lo van a llamar Fifth Avenue Met; al Museo Medieval en el noroeste de la ciudad, The Cloisters Met; por otro lado han ocupado el edificio que fue sede del Whitney Museum en Madison Avenue, diseñado por el arquitecto Marcel Breuer. Lo han llamado Met Breuer y va a albergar las exhibiciones dedicadas a arte moderno y contemporáneo. En tercer lugar, han rediseñado su web y su logo.

Estos son los primeros pasos de un plan más ambicioso que incluirá 600 millones de dólares para la construcción de la nueva galería en el Metropolitan Museum en la Quinta Avenida. Definitivamente, el Met quiere ser parte del arte contemporáneo: donde se mueve el dinero, donde se encuentran los mayores coleccionistas, los donantes y los visitantes de museos.

El pasado mes de marzo el Met Breuer, en Madison Avenue, abrió sus puertas con dos exposiciones. En el segundo piso, dibujos y fotografías de Nasreen Mohamedi (1937-1990), un artista de la India. En la tercera y cuarta plantas, la exhibición ‘Unfinished: thoughts left visible’.

Esta última, muestra cerca de 200 piezas de la propia colección del Met: espectaculares obras de arte, como la de El Greco, que permiten hacer un recorrido histórico desde el Renacimiento hasta la actualidad. Además, cuenta con préstamos extraordinarios, como las obras de Leonardo Da Vinci.

Con este enfoque, el nuevo Met Breuer demuestra su potencial con una idea muy contemporánea de reexaminar el pasado. Aunque en mi opinión la exposición no pone el arte más antiguo y el más contemporáneo en conversación, sí es un ‘must’ si se está de visita en la Gran Manzana.

Desde mi punto de vista, es mucho más interesante la tercera planta, donde se presentan los trabajos previos al 1820. Las obras expuestas dejan mirar a través del ojo del artista, se puede adivinar el recorrido de su trabajo y su proceso, sus pensamientos a la hora de definir la composición de la obra. Es realmente excitante observar las piezas no terminadas y cómo muchas de ellas podrían ser la versión contemporánea de la obra maestra clásica.

La exhibición examina un aspecto del proceso creativo que genera gran zozobra en el artista y críticas por parte de espectadores sobre la obra inacabada o aparentemente sin terminar. ¿Cuándo está una obra de arte terminada?

Muchos críticos del pasado y del presente han escrito sobre los problemas y las posibilidades asociadas a las obras de arte que muestran una falta intencional de acabado. Estas obras revelan muchas decisiones del artista – tanto físicas como conceptuales y, sobre todo, cuándo y cómo la consideran completa.  Esta exposición hace hincapié en los períodos en que la noción de acabado se convirtió en un asunto de experimentación. Así, contiene dos tipos de obras: las que estaban, por cualquier razón, sin terminar y se dejaron así accidentalmente por el artista, y las que adoptan un estilo deliberadamente sin terminar.

El artista en general, conoce bastante bien si su obra está terminada, pero eso no es lo mismo que decir que el trabajo esté terminado a los ojos de otro. Para cuando el artista ha hecho todo lo posible, la cuestión sigue siendo si la obra tiene lo suficiente como para que hable por sí misma, como objeto de goce estético. La creación de una obra de arte es una experiencia profundamente personal. A veces, es como si el alma del artista se transmitiera a la superficie a través de su intervención en la pieza que está creando.

La propia naturaleza de creación es tan personal que a veces es difícil saber cuándo parar. El artista tiene que decidir si está satisfecho con el resultado. Si es así, entonces ya ha terminado. Aunque, por supuesto, el umbral de satisfacción y el concepto de acabado de la obra varía enormemente de un artista a otro. En las dos fotografías superiores y la inferior muestro algunas de las obras, previas a 1840, que más me han cautivado.

También hay una sala dedicada a la obra de J.M.W. Turner, uno de los paisajistas de finales del S.XVIII más admirados por su capacidad para la abstracción: admirado a posteriori, claro, porque en su tiempo era foco de críticas por sus contemporáneos. El grupo de pinturas que se presentan en esta sala se encontraron en su estudio después de su muerte, ninguna de ellas fue expuesta y lo que no se sabe es si eran trabajos que el artista consideraba terminados con la esperanza de que en algún momento fueran con el tiempo aceptados o solo eran los primeros pasos de una obra sin terminar.

El cuarto piso de la exposición está dedicado a la obra inacabada en el siglo XX. Desde 1945, el artista ha analizado el concepto de inacabado como requisito previo y meta a ser perseguida. Con este fin se han utilizado materiales diseñados para la decadencia, diseñando obras que se expanden más allá de sus propios límites espaciales y temporales. El arte está diseñado para sobrevivir, su durabilidad frente a la brevedad, la fragilidad y fugacidad de la vida. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, a menudo en respuesta a la agitación social, económica y ambiental, muchos artistas crearon deliberadamente obras destinadas a decaer o desaparecer con el tiempo. En su corazón se encuentra una fascinación con la entropía. A pesar de que a menudo se equipara con el deterioro, ésta se describe con mayor precisión como la pérdida de energía, un proceso físico común a todos los sistemas. Todo sistema pierde no solo energía, sino que también pierde estabilidad y coherencia. Por esta razón, la entropía tiende a expresarse visualmente como la degradación y la desorganización.

Las esculturas en la galería transmiten entropía no solo a través de la forma, los materiales y el contenido, sino también a través del proceso y la técnica. Muchas piezas muestran abrasión, corrosión y los daños producidos por el tiempo, ya sea real o simulada, mientras que otras, como el trabajo de Félix González-Torre, muestran su propio declive en tiempo real, ofreciendo una reflexión conmovedora sobre la mortalidad. Esculturas como éstas cuestionan nuestras definiciones tradicionales de acabado, así como inciden negativamente en la posibilidad misma de terminar, de una vez por todas, una obra de arte.

Feliz González-Torres representa con esta instalación el retrato de su compañero Ross Laycock, quien murió de SIDA en el año 1991. El trabajo consiste en una pila de caramelos cuyo peso equivale al peso ideal de Ross, 175 libras. Los espectadores están invitados a coger los caramelos; a medida que estos van desapareciendo, la pila de caramelos va perdiendo su regularidad, disminuyendo en volumen y peso. Esta transformación refleja el debilitamiento de Ross Laycock debido a su enfermedad. El museo continúa reponiéndolos, quedando la obra suspendida entre la desaparición y la renovación, obra en continuo proceso.

Estas dos esculturas (arriba) han cambiado y continuarán cambiando a lo largo del tiempo. Una está hecha de chocolate y la otra de jabón. La propia artista chupó la de chocolate y se baño con la de jabón. Según la artista: «Somos destructivos por naturaleza y tendemos a deshacer para volver a hacer y ese concepto me interesa mucho». Los bustos convencionales están creados para ser inmortales y permanentes, pero en este caso irán envejeciendo con el tiempo como la vida misma.

A comienzos de los años 60, la artista Alina Szapocznikow exploró el cuerpo en materiales como la resina poliéster o materiales creados para insular. En ese periodo le fue diagnosticado un cáncer de pecho. La artista quiso expresar su enfermedad en esta instalación donde aparecen de la gravilla rostros deformes con su imagen que representan los tumores que estaban invadiendo su cuerpo (arriba). Esta serie en verde de Cy Twombly fue encontrada en su estudio después de su muerte; nunca antes se exhibieron y hasta el momento se desconoce si el artista consideraba esta obra terminada o no.

El próximo domingo, 8 de mayo, el Met Fifth Avenue organiza una charla donde uno de los artistas de la exhibición, un musicólogo y el comisario del Met discutirán las ideas que surgen a proposito de la exhibición. Sunday at The Met- ‘Unfinished: Thoughts left visible across time and cultures’, 3pm to 4:30pm. ‘Unfinished: thoughts left visible’ estará abierto al público hasta el 4 de septiembre, 2016.