El Arte del duelo

Dicen que el trabajo de Salcedo muestra señales de una vuelta a los sentimientos en el arte contemporáneo, y es que Doris Salcedo introduce una visión profundamente humana en su obra.

Nacida en Colombia, Doris Salcedo ha sido testigo de primera fila de la violencia política, miles y miles de personas asesinadas, torturadas, masacradas, desaparecidas, una realidad que parece no cambiar y a la cual la sociedad parece estar inmunizada. Millones de personas han perdido su vida de manera cruel y su memoria nunca fue honrada, familias que permanecen esperando a su familiar y cuyas vidas permanecerán en esa especie de limbo del cual ya no volverán.

La obra de Doris Salcedo muestra la textura de la violencia, del dolor, de la ausencia, del vacío, pero sus esculturas e instalaciones son elegantes y poéticas. Con su trabajo pretende dignificar a la memoria de la víctima y poder así generar en el espectador un momento de contemplación silenciosa porque, según la artista, sólo así seremos capaces de reflexionar, de salir del torbellino del día a día y sentir, hacer una pausa y entender para desear poner fin a ese sufrimiento.

En la mayoría de sus obras utiliza materiales de uso cotidiano, muebles, prendas de vestir, objetos personales que sugieren un duelo colectivo.

Desgraciadamente, Colombia no es un caso aislado y su obra hace referencia a multitud de crímenes contra la humanidad, violencia, injusticias, guerras civiles que nunca acaban, pueblos que se ven obligados a abandonar su tierra con el solo objetivo de vivir, corrupción política, torturas, desapariciones, abusos de poder, muertes y asesinatos, narcotráfico. Desgraciadamente, el pan nuestro de cada día en muchas partes del mundo.

Violencia y horror que se acumulan y generan en la sociedad una especie de insensibilidad, de ahí el peligro de que terminemos asimilando estos actos de violencia, porque entonces dejaremos de verlos y ese es el principio del fin de la esencia del ser humano.

La retrospectiva que se hace de su trabajo en el Guggenheim de Nueva York es una exhibición que empezó en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y que, una vez finalice la retrospectiva en el Guggenheim, se exhibirá en el Museo de Arte Pérez en Miami en mayo del 2016.

Pocos artistas latinoamericanos han tenido este reconocimiento en Estados Unidos. Además, su obra también ha tenido impacto a nivel mundial: ha sido la octava artista en intervenir en la sala de turbinas de la Tate Moderm de Londres, con su obra «Shiboleth», en 2007. En el año 2010, recibió el Premio Velázquez de las Artes Plásticas en España, primera mujer y primera latinoamericana que recibe este premio. En 2014 gana el Premio Hiroshima de Arte otorgado a artistas que hayan promovido la paz a nivel mundial. Todos estos galardones son un reconocimiento a su «consistente trayectoria» y a su incesable trabajo por hacer que el «sufrimiento no sea olvidado».

Una de las cosas que más me han impactado de su obra es cómo su imagen, su persona y su trabajo son uno. Ella dice que lleva trabajando sobre este tema obsesivamente toda su vida. Declaró que nunca ha perdido a un familiar por violencia pero de manera clara, Doris Salcedo lleva la cicatriz del dolor en sus entrañas. Su obra se basa en un trabajo de campo riguroso, incluyendo testimonios de las víctimas que han sufrido la pérdida y trauma debido a la guerra u otras circunstancias injustas.

Escuchándola y observándola entiendes aún más la dimensión de su trabajo. Doris tiene una presencia singular e inolvidable, siempre vestida de oscuro, su rostro, ojos grandes y expresivos, mirada intensa, tez blanca enmarcada en una melena voluminosa y cana que, como un aura, circunvalan su rostro y, si su imagen es inolvidable, no lo es menos aun su voz, que sale de lo más hondo, profunda, pausada, palabras meditadas, voz que hace eco del dolor de aquellas víctimas, de los ausentes, de aquellos que habitan en la periferia de la vida, en el epicentro de las catástrofes.

El trabajo de Doris Salcedo ocupa las cuatro plantas de las galerías situadas en la torre del Museo Guggenheim y se exhiben sus trabajos más significativos producidos desde los años 80 hasta la actualidad.

Algo primordial a la hora de visitar esta exhibición es bajar en primer lugar a la planta sótano, donde se puede ver una entrevista de unos 10 minutos donde ella habla de su trabajo. Su obra es intensa y puede ser duro verla sin conocer y entender la profundidad de su trabajo: solo así podremos experimentar ese momento de contemplación silenciosa que nos permita pensar, reflexionar, sentir.

Su obra metafísica y algo abstracta huye de la representación de la violencia: «La violencia crea imágenes permanentemente en nuestra sociedad, la función del arte es oponer unas imágenes a esas imágenes y de esa manera crear un balance a la barbarie que repetidamente se repite en el mundo». Éstas son las esculturas e instalaciones expuestas en el Museo Guggenheim de Nueva York que más huella me han dejado.

‘Plegaria Muda’
Esta instalación empezó con la investigación de Salcedo sobre casos de violencia con armas de fuego en Los Ángeles. Muchas de las víctimas son jóvenes y pertenecientes a clases socioeconómicas bajas. Muertes que pasaban desapercibidas precisamente porque son personas que han vivido en el borde de la sociedad.

El trabajo representa fosas comunes donde madres han ido buscando desesperadamente a sus hijos desaparecidos. La instalación presenta un gran número de piezas, compuestas por dos mesas del tamaño de un ataúd, una mesa invertida encima de la otra y entre ellas un manto de tierra.

‘A flor de piel’ 
Esta pieza comenzó con la simple intención de hacer una ofrenda floral a una víctima de la violencia a la cual se le arrebató la vida de manera cruel: la víctima era una enfermera, torturada, asesinada y finalmente descuartizada.

¿Cómo se puede recomponer un cuerpo mutilado, cómo representar esta herida intocable? Doris Salcedo buscó la manera más frágil de tocar lo intocable, creando un manto de pétalos de rosa, cosidos con puntos de sutura quirúrgica, representando así la fragilidad y vulnerabilidad de la vida.

‘Atrabiliarios’
Investigando sobre gente desaparecida, observó que a las víctimas mujeres eran tratadas con especial crueldad y de que los zapatos a menudo eran objetos personales que quedaban perdidos y a menudo se utilizaban para identificar los restos.

En ‘Atrabiliarios’ usa zapatos usados, muchos de ellos de mujeres, que son encerrados en nichos empotrados en la pared cubiertos con una capa de vejiga de animal que ha sido cosida con puntos de sutura quirúrgica. Queda una superficie semitranslúcida donde parece que la imagen del interior del nicho va a desaparecer.

‘Disremembered’
«Quise hacer una pieza que pudiera representar la fragilidad de una persona en dolor y a la vez el increíble daño que se produce en ciertos de familias quienes experimentan el duelo como parte de su dia a dia». Cada una de estas esculturas está hecha de seda salvaje con cerca de 12.000 agujas. La fragilidad, la ligereza casi algo etérea de estas piezas es conmovedora, parece que van a evaporarse en un abrir y cerrar de ojos.